[via Nerdcore]

»Es gibt einfach Alben, zu denen man sich äußern MUß. “The Wall” gehört nicht dazu. Das entnehme ich jedenfalls den Rezensionen meiner Vorgänger. Trotzdem will ich hier etwas ergänzen.«

Lautet das trockene Urteil von Nik Brückner auf den BBS zu Pink Floyds Monsterprojekt »The Wall«. Ich muss da ganz entscheidend wiedersprechen; The Wall war riesig, The Wall ist nach wie vor bezeichnend für die Band und The Wall gehört zu den Platten, die das Kunststückchen vollbracht haben, mit ‘angeartetem’, theatralischen Rock in der 2. Hälfte der 70er noch zum Superseller zu werden.
Jeder kennt die zynische Hitsingle »The Wall Part 2« aka »We Don’t Need No Education«. Für viele Leute ist das die Hymne schlechthin, wenn es um das Thema, äh ja, worum zur Hölle geht es in dem Lied eigentlich? Stumpfe Systemkritik wäre zu einfach, das sagt ja auch schon der leicht konfuse Titel. Oder doch? Dann muss man Waters durchaus scharfe Ironie gegen seine Audienz vorwerfen ((1977) Hey Dave, I bet I get ‘em shouting something as stupid as ‘We don’t need no..’, that would be ridicoulus wouldn’t it? I mean they where so mean to me, now I’m mean to them. (1980) Hah, beat that! I’m awesome!). So wirklich schlau wird man daraus nicht; irgendwann glaubt man dann sogar, dass das garnicht möglich, nötig ist.

Der Rest des Albums fristet sich in ähnlicher bedeutungsschwangerer Bedeutungslosigkeit. Überall donnert es, wird geschrien, verflucht, wird versöhnt, wird doch wieder zurückgenommen, beschuldigt und nicht aufgelöst. Der Rog wollte mit der Scheibe jedem in’s Gesicht spucken, und das ist ihm letzten Endes auch reichlich gelungen. Der Hörer fühlt sich im besten Falle nach dem Hören schuldig oder sympathisiert sich gar mit dem emotionalen Klotz voller Ablehnung und Selbstmitleid, im schlechtesten ist er von der allgegenwärtigen Agression verschreckt.
Interessant ist in diesem Zusammenhang zu sehen, dass das ganze Konzert 1990 von Waters auf dem Potsdamer Platz zu Ehren seiner Pers– äh der deutschen Einheit nochmal in richtig groß aufgezogen wurde: Unter anderem mit Unterstützung von den Scorpions, Sinéad O’Connor, Van Morrison und The Band feierte Roger Waters in künstlerisch sehr zweifelhafter Weise (The Wall in Berlin ist einfach in jeder Hinsicht völlig misslungen) vorallem Roger Waters. Das Ding muss sich damals so gut verkauft haben, weil sich ne ganze Generation gebrochener ‘Rockfans’ von Clash und den Pistols überrollt empathische Beziehungen zu Rogers Mauer aufgebaut haben. Eine Art Opfersolidarisierung, getrieben von supertrampesken Funkgitarren und stampfenden Discorhythmen.

Nichtsdestrotrotz: Die Platte muss jeder gehört haben, einfach weil es in der Größe Rockgeschichte, andererseits in der Verkopfung einzigartig ist. Und es gibt viele, viele ganz großartige Momente darauf zu finden, für die es sich unheimlich lohnt.

David benutzte damals die Metapher des Raumfahrers, der in Anbetracht der Dinge, die ihm im Weltall klar wurden, plötzlich die Kontrolle über sein Schiff fortgibt, als Umschreibung für seine eigenen Drogenerfahrungen (wohlgemerkt damals primär halluzigener Natur). Den Song nannte er »Space Oddity«, als Anlehnung an Stanley Kubricks philosophischen Nicht-Blockbuster »2001 – A Space Odyssey« aus dem Jahre 1967. Zur damaligen Zeit war die Mondlandung ein sehr aktuelles Thema und »Space Oddity« wurde dementsprechend ein sehr erfolgreicher Hit.
Bowie hat die Figur des Major Toms 1980  in dem Song »Ashes To Ashes« wieder aufgegriffen, dieses Mal in Form einer recht pessimistischen Abrechnung mit dem ausschweifenden Lebensstils der späten 60er/70er. Bowie war zu diesem Zeitpunkt längst clean und hat mit dem Album »Scary Monsters« seine letzte große hörenswerte Platte abgeliefert (die übrigens überraschend energetisch ausgefallen ist!); danach kam nurnoch fader Driss.

Ashes to ashes, funk to funky
We know Major Tom’s 4
a junkie
Strung out in heaven’s high
Hitting an all-time low

und resúmierend

My mother said
to get things done
You’d better not mess
with Major Tom

Sind die zentralen Aussagen dieser Scheibe.

Schade drum; mit Major Tom war die Musik von David um Welten besser.

Die Show war als Unterhaltungssendung für die ganze Familie gedacht. Aus diesem Grunde versuchten die Verantwortlichen 1967 in zwei Fällen, Bands dazu zu überreden, den Text ihrer Lieder zu ändern.

Während sich die Rolling Stones beugten und sogar die für den Song namensgebende Zeile Let‘s Spend The Night Together in Let‘s Spend Some Time Together änderten, wählten The Doors einen anderen Weg.

Ed Sullivan missfiel die offensichtliche Doppeldeutigkeit des Wortes High in der Zeile Girl we couldn’t get much higher. Er schickte deshalb einen Direktor zur Band, um sie dazu überreden, die Songzeile zu ändern. Ray Manzarek, der Organist der Doors, antwortete dem Direktor:

Yes, sir. Whatever you say, sir. We’ll change.

Woraufhin sich der Direktor an Jim Morrison wandte und sagte:

You’re the poet. Think of something else — wire, flyer.

Bei der Live-Übertragung der Show sangen The Doors ihren Song Light My Fire dann genau wie auf der Platte. Dabei sei angemerkt, dass Jim Morrison das Wort higher nicht, wie es in der Filmbiografie The Doors fälschlicherweise dargestellt wird, besonders stark betont.

Ed Sullivan war daraufhin so erzürnt, dass er der Band nicht wie üblich die Hand gab und ihnen folgendes mitteilen ließ:

Mr. Sullivan liked you boys. He wanted you on six more times. … You’ll never do the Sullivan show again.

Woraufhin Jim Morrison nur antwortete:

We just did the Sullivan show.

Quelle: Interview mit Ray Manzarek, CNN

Die Band war seit jeher eine ausgezeichnete Live-Band, was dazu führte, dass ihre Fans, die sich selbst Deadheads nennen, der Band auf den Tourneen durch ganz Amerika folgten und ihr Leben dem Rhythmus der Band anpassten. Die Deads nahmen dies zum Anlaß ihre Bühnenshows bei jedem Auftritt zu variieren um sie auch für die Dauergäster interessant zu halten. Das Interesse der Fans wurde außerdem durch improvisierte, oft minutenlange Jam-Sessions und Soli der Mitglieder aufrechterhalten.

Einzigartig ist die Beziehung zwischen Band und Fangemeinde. Die Grateful Dead haben sich stets um ihre Fans gesorgt, was so weit ging, dass sie den Mitreisenden teilweise sogar Essen besorgt haben und mehr Gratis-Konzerte gegeben haben als jede andere Band der Welt.

Vor diesem Hintergrund ist auch die Haltung der Band gegenüber Mitschnitten ihrer Konzerte zu verstehen. Innerhalb der Deadhead-Gemeinde gab es einige eifrige Taper, die die Konzerte mitgeschnitten haben. Dies war ausdrücklich erlaubt und wurde unterstützt, indem auf den Konzerten eigene Bereiche für die Taper eingerichtet wurden. Cool ist, dass es viele der Mitschnitte auch ins Internet geschafft haben und auf Archive.org zum kostenlosen Download angeboten werden.

Ein schönes Beispiel für die Musik der Grateful Dead ist dieses Live-Video zu Uncle John‘s Band aus dem Jahre 1980:

Yesterday, I thought I was a crud. Then I saw The Sex Pistols and I became a king and decided to move into the future.

1976. Während The Sex Pistols die vielleicht bekannteste Punkband ist, handelt es sich bei The Clash aus London wahrscheinlich um die Einflussreichste.

The Clash boten mehr als jede andere Band ihres Genres und überzeugten vor allem durch ihre Vielseitigkeit. Indem sie andere Musikrichtungen wie Reggae, Jazz und Folk in ihre Musik integrierten, konnten sie sich deutlich von anderen Punkbands ihrer Zeit absetzten.

Um einen kleinen Einblick in das Werk von The Clash zu bekommen und über den Tellerrand von Should I Stay Or Should I Go zu blicken, empfehle ich die folgenden drei Titel:

Vierzig Jahre später wird das Album allgemein verehrt. Der britische Observer würdigte es beispielsweise, indem er es auf den ersten Platz der Liste The 50 albums that changed music stellte. Damit liegen VU unter anderem vor den zweitplatzierten Beatles und ihrem Meisterwerk Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band.

Anfangs sah es jedoch eher so aus, als ob das Debüt der New Yorker Untergrundkünstler ein Flop für die Band und ihren prominenten Unterstützer Andy Warhol sei.

Zum Misserfolg mögen dabei, neben dem fortschrittlichen Sound der Band, vor allem die noch heute kontroversen Themen der Texte beigetragen haben. Während es in den Top 20 der Billboard Charts des Jahres 1967 mit Something Stupid von Frank & Nancy Sinatra, Daydream Believer von den Monkees und All you need is love von den Bealtes vor allem um züchtige Liebe ging, behandelten Velvet Underground auf ihrer ersten LP Themen wie Drogensucht (Waiting For The Man, Heroin) und Sadomasochismus (Venus in Furs).

Einzigartig ist dabei vor allem, wie affektiert sie die einzelnen Themen musikalisch umsetzten. Sowohl das Verlangen nach Herion als auch die Schmerzen der Venus werden von Velvet Underground in bemerkenswerter Weise in Musik verwandelt.

The Velvet Underground And Nico ist ein spannendes Album, das jedoch aufgrund der komplexen Themen und den noch heute ungewöhnlichen Klängen eine längere Anlaufzeit und eine ernsthafte Auseinandersetzung erfordert. Ist man dazu bereit, erlaubt es im Gegenzug einen Einblick in eine fremde Welt im Untergrund.

Mehr von The Checks gibt es auf MySpace und ihrem aktuellen Album Hunting Whales.

Ich habe gestern bei Nerdcore ein tolles Bild gesehen. Es zeigt die Beatles vor einem Raumschiff im Weltraum und spielt damit auf die Ankunft der Beatles in Amerika im Jahre 1964 an. Die noch jungen Beatles, die mit I Want To Hold Your Hand gerade ihren ersten N°1-Hit in den U.S.A. gelandet haben, geben daraufhin noch im Gebäude des John F. Kennedy Airport in New York eine Pressekonferenz.

Reporter: „Could you please sing something?“
John: „No, we need money first.“

Leider versteht man das folgende Zitat im Video nicht so gut:

Reporter: „What do you believe is the reason you are the most popular singing group today?“
Lennon: „We’ve no idea. If we did we’d get four long-haired boys, put them together, and become their managers.“

Nach ihrem ersten Auftritt im amerikanschen Fernsehen in der Ed Sullivan Show schrieb die weitsichtige amerikanische Presse übrigens: „The Beatles could not carry a tune across the Atlantic“.

Ich habe mir den Film The Doors von Oliver Stone am letzten Wochenende noch einmal angeguckt und war genauso begeistert wie beim ersten Mal. Die Filmbiografie aus dem Jahre 1991 wurde vom bekannten Konzertveranstalter Bill Graham produziert. Die Regie führte der Oscar-prämierte Oliver Stone.

Der Film erzählt die Geschichte von James Douglas Morrison und wie dieser mit seinen Freunden eine der bedeutendsten Bands der 60er Jahre gründete. Im Film wird Morrison als Ikone der Gegenkultur dargestellt, die auf der Suche nach sich selbst dem Alkohol und anderen Drogen erliegt. Interessant ist wie Morrisons Besessenheit vom Tod dargestellt wird. Mehr als einmal klettert er aus dem Hotelfenster auf den Fenstersims und droht damit, sich selbst umzubringen.

Auch wenn sich die Geschichte nicht genau an die Wahrheit hält und vor allem von den noch lebenden Doors-Mitgliedern kritisiert wurde, würde ich den Film an jeden Doors-Fan weiterempfehlen, da der ein hilfreicher Einstieg für das Verständnis der Musik und ein guter Start für eine weitere Beschäftigung mit Jim Morrison ist.

The Who wühlen den Londoner Marquee Club auf und bringen mit ihrem Auftritt nicht nur das Fernsehbild zum Erzittern. Und auch wenn die Band Bühne und Equipment im Video unversehrt lässt, bringt der Auftritt die Umbruchstimmung des Textes und die damit verbundene Revolte der Jugend eindrucksvoll rüber:

People try to put us d-down
Just because we get around
Things they do look awful cold
I hope I die before I get old

Die letzte und vielleicht bekannteste Zeile I hope I die before I get old, die damals wohl eine Abgrenzung der jugendlichen Who von ihren Eltern ausdrückte, bekommt in der Coverversion von The Zimmers, einer britischen Rentnerband mit einem Durchschnittsalter von 78 Jahren, eine ironische Note.

„If the doors of perception were cleansed everything would appear to man as it is, infinite.“     

Diesem Zitat entnahmen Jim Morrison und seine Bandkollegen 1965 den Namen für Ihre eigene Rockband: The Doors.